De los pioneros de la cinematografía como Hitchcock, Kubrick o Spielberg, a los autores modernos e innovadores como Wes Anderson, Darren Aronovsky o los hermanos Coen, la manipulación de la perspectiva y el punto de vista (POV) es un factor clave para la creación de personajes y ambientes, así como para desarrollar los ciclos de tensión y resolución que dan fuerza a la narrativa de una película.
En la década de 1950, teóricos del cine como André Bazin y Alexandre Astruc sostenían que las grandes películas requerían una narrativa sólida con un enfoque profundo y escenas más largas de potente estética visual. Esta filosofía mantiene que la ingeniería de la perspectiva y los ángulos de la cámara se combinan con la edición compleja, el diseño de sonido y la música programática para suscitar fuertes respuestas emocionales en el público.
Hitchcock y el travelling compensado
Vértigo, el clásico de Hitchcock de 1958, es la primera película en la que se usa el travelling compensado, una técnica de perspectiva distorsionada en la que la cámara se aleja del sujeto a la vez que se utiliza el zoom para crear un surrealismo vertiginoso. Spielberg empleó la misma técnica para conseguir un impresionante efecto en Tiburón y enfatizar el horror del jefe de policía Chief Brody cuando finalmente presencia el ataque del tiburón.
Aunque el travelling compensado es una herramienta distintiva y muy potente para crear momentos de tensión, existen otras técnicas cinematográficas sutiles que juegan con nuestra percepción. Algunos ejemplos destacados son el zoom con efecto de distancia focal, en el que la cámara se acerca al sujeto mientras se difumina el fondo para resaltar algún aspecto importante de la historia del personaje, o el travelling lateral, que a menudo sigue a dos personas mientras hablan, aportando sensación de movimiento y riqueza al plano. Otro enfoque clásico muy utilizado es el empleo de lentes gran angular, que proporcionan un entorno de fondo más detallado, a la vez que permiten a los sujetos en primer plano dominar la escena.
La potencia del punto de vista
Además de la destreza técnica con las lentes y las complejas técnicas de travelling, está la cuestión fundamental de la posición de la cámara. La ubicación de la cámara es fundamental para sumergir al espectador en la visión del director y resulta vital para crear la atmósfera y dar fuerza a la historia.
Un plano por encima del hombro que apunta al sujeto principal desde arriba le otorga al personaje en primer plano un dominio automático sobre la persona con la que está hablando. Se puede utilizar para ampliar aún más la sensación de claustrofobia, cuando la espalda del personaje en primer plano ocupa la mayor parte del encuadre, dejando al sujeto principal acobardado por el pequeño espacio que queda. Otras técnicas de punto de vista incluyen grabar a los personajes desde abajo a fin de resaltar su fortaleza, mostrar su seguridad en sí mismos y darles un aire de superioridad, o utilizar un ángulo de cámara elevado que los enfoque desde arriba para retratar su inocencia infantil o inferioridad.
Mientras que un amplio plano panorámico con una figura solitaria caminando en la distancia puede expresar la soledad y el aislamiento, un primer plano de una persona sacudida por la emoción puede conseguir una reacción empática o malestar en el público. El arte del cineasta se base en cómo usa la cámara para catalizar el trabajo de sus actores y cómo ajusta la percepción del espectador para crear exactamente la historia que quiere contar.
Las innovaciones más recientes en el punto de vista combinan los planos con perspectiva forzada con efectos creados por ordenador para resaltar la diferencia de tamaño entre los personajes. Esta técnica es evidente en películas como El señor de los anillos, con tomas verticales de los hobbits en la misma escena que los grandes magos y otros gigantes. También existen ejemplos de directores que han utilizado los cambios en la relación de anchura/altura como una herramienta dramática; la película Mommy de Xavier Dolan de 2014 fue rodada con una relación de anchura/altura de 1:1, en lugar de la de 1.85.1 o 2.35:1 con la que se graban la mayoría de las películas actuales, a fin de lograr una mayor intimidad con los personajes en cuyas vidas nos adentramos.
Teoría del montaje
El director ruso Sergei Eisenstein, conocido por su cine épico e histórico de gran escala, fue uno de los principales defensores de la teoría del montaje, donde la yuxtaposición de imágenes relacionadas crea un poderoso collage de planos capaz de manipular las emociones del público. Esta técnica aprovecha la perspectiva intelectual del público en lugar de basarse en una perspectiva visual de trucos ópticos y fotográficos.
Hitchcock también sostenía que el montaje lo es todo en el cine, explicando que si se toma un primer plano del rostro de un hombre, se pasa a la imagen de una mujer amamantando a un bebé, y se vuelve al plano del hombre sonriente, el público piensa que es un caballero simpático. Sin embargo, si se sustituye la imagen de la madre por la de una chica en bikini, automáticamente, el hombre sonriente se percibe como un viejo verde. Se trata de sencillos trucos psicológicos que los directores utilizan para jugar con nuestra percepción emocional de la acción.
La verdadera magia del cine es que la caja de herramientas psicológicas utilizadas por los directores, que puede parecer técnica y manipuladora cuando se analiza, es subliminal en la práctica. La realidad es que nuestros comportamientos perceptivos están programados desde la infancia, y estamos diseñados para decodificar el significado literal de todo lo que vemos y evitar lo abstracto. De la misma manera que un conocimiento profundo de la teoría musical no impide que el que escucha se emocione con una potente melodía, el poder emocional del cine nos seguirá atrayendo, independientemente de las técnicas que modulen lo que percibimos.
